Cultura, Ajoblanco y Karmele Marchante

Hace algunas semanas participé en una conferencia enmarcada dentro de las Jornadas de Periodismo Cultural y Humanidades que se celebraron en la Facultad de Comunicación de la UAB, en la cual se habló sobre las mejores revistas culturales que ha habido en España (hablo en pasado, porque su destino ha sido el mismo que el de toda iniciativa de este estilo en este país). Así pues, contamos con la presencia de Tate Cabré como moderadora, de Robert-Juan Cantavella como ex jefe de redacción de Lateral, Óscar Fontrodona como ex director de Ajoblanco y con David Barda, como representante de Quimera.

La conferencia fue francamente interesante. Sirvió para introducirme en el mundo cultural de una época que no he vivido. Una época (hablo de los últimos años del franquismo) que se suele considerar como gris y limitada en cuanto a cultura y prensa, pero que estaba mucho más llena de rebeldía y trasgresión de lo que estamos ahora. Es cierto que tenemos la impresión de una pasmosa libertad de expresión, pero sirve de poco cuando nos conformamos con lo primero que nos viene, cuando no buscamos nada más. Tal vez ahora no exista la censura directa, el tijeretazo, pero actualmente se ha desarrollado un tipo de censura mucho más escalofriante. Ya no controlan lo que se publica, sino lo que se piensa. Es una censura mucho más directa, entra sin filtros a los cerebros de las masas y los mutila. Así pues, ¿qué importa lo interesante, trasgresora y rompedora que sea una publicación si la gente está demasiado ocupada “no pensando” como para leerla?

Como apunte final quería añadir una información que me sorprendió profundamente. Hace unos días vi en “El Club” una entrevista que Albert Om hacía a Karmele Marchante. Mientras ambos charlaban, apareció un rótulo en el que se leía: “Karmele Marchante fue cofundadora de la revista Ajoblanco”. ¿Algo que comentar?

La rebelión de los “simios”

El pasado lunes, durante la clase de Periodismo Cultural, el profesor Perceval repartió unas fotocopias que contenían un artículo de opinión de la crítica de arte Victoria Combalía. El texto en cuestión, publicado en El País el 24/4/08, reflejaba a la perfección la soberbia y la prepotencia de algunos críticos de la vieja escuela. Grupo al que, a juzgar por el escrito, pertenece la propia Combalía.

A grandes rasgos, el artículo critica Internet. Pero no se refiere a las posibles ilegalidades y maldades que este medio puede llegar a facilitar, no. La crítica va por el lado por el que parecía que todos estábamos de acuerdo: la democratización. Al parecer, a Victoria Combalía no le gusta que “el vulgo” (palabra que ella misma usa en el texto) pueda ser creador de contenidos. Según dice, “llega el dominio de los simios”. Tal vez ella, como sus colegas de profesión, forma parte de otra especie, una que sí está capacitada para crear contenidos culturales.

Pero ese artículo no es más que un pretexto para que este “simio amateur” haga una reflexión sobre la concepción predominante de arte y cultura. Y creo que puedo hacerla, aun siendo casi un analfabeto en este campo, y pese a asistir a menos museos y exposiciones de las que me gustaría. Porque, aunque no conozca la biografía de Miró ni haya estado en el Prado (¡pecado mortal!), creo que tengo algo indispensable para poder opinar sobre arte: sensibilidad. Y me atrevería a decir que todo el mundo, a su manera, la tiene. Incluso quien no sabe leer ni escribir, aunque a muchos tan sólo les parezcan simios. Porque el arte no es cuánto sabes, sino cuánto sientes. Es sensibilidad, creatividad, locura, meditación, inspiración, éxtasis… y no exclusividad, prepotencia, sectarismo, educación ni lujo. Por eso me atrevo a escribir sobre arte, e invito a todos los “simios” del mundo a abrir un blog y escribir lo primero que les pase por la cabeza, aunque a muchos les moleste…

¡Ave Risto!

Imaginemos un anfiteatro romano. En el centro, sólo en la arena, nervioso, indefenso y asustado, un esclavo aspirante a estrella de la música. En el atril, el César y dos peces gordos más, todos ellos tocados por los dioses, quienes les han delegado los poderes para decidir sobre el futuro de los pobres mortales aspirantes a “triunfitos”. Al otro lado de la pantalla, el populacho. Millones de hombres, mujeres y niños sedientos de humillación y de carnaza. El esclavo canta. Lo hace mal. El César le mira. El esclavo mira al César. El César baja el dedo. Se acabó.

Bienvenidos a Operación Triunfo, el anfiteatro de la actualidad, donde la humillación y el morbo se disfrazan de “amor a la música”. Y allí está Risto Mejide, el César, a quien los todopoderosos productores le han delegado el poder de destruir, de la manera más traumática posible, los sueños de los tristes aspirantes a superestrella.

Pese a todo esto, aquí viene mi total apología a Risto. Es cierto que es un ser prepotente, egocéntrico e hiriente hasta decir basta, pero ¿por qué no debería serlo? Es jurado en un programa casposo y cutre como pocos, un programa donde la “ñoñería” se materializa hasta provocar arcadas, y cuyos patéticos concursantes se sienten como en una nube, y lo muestran con constantes besos, abrazos y momentos lacrimógenos. Pues bien, ahí está Risto, para hacerles tocar con los pies al suelo. Tal vez los otros miembros del jurado sean condescendientes y constructivos (ese es su papel), pero Risto actúa como actuaría cualquier productor fuera del “maravilloso mundo de OT”.

Y ahí están los concursantes en cuestión, cual esclavo en Roma, dejándose pisotear y vendiendo su dignidad a cambio de seguir vivos (en el concurso, se entiende). Han elegido la vía fácil y cobarde para llegar a la fama, y eso tiene un precio. Incluso vi en uno de los castings cómo Risto, el César, obligaba a una aspirante a echar al siguiente aspirante para así poder quedarse ella. Todo ello con una macabra soberbia que lo situaba, en esos momentos, a la altura del mismísimo Dios. Y es que a eso es a lo que juega Risto, a ser Dios. Con su poder ilimitado puede juzgar de la manera más hiriente posible a los aspirantes, y eso le divierte. Y lo mejor, divierte al público, al populacho. Y eso le enriquece aún más. Es un círculo vicioso (o virtuoso, según se mire) por el cual, a partir de la dignidad de unos pocos, se generan unos beneficios descomunales. ¡Ave Risto!

Silver Apples: Psicodelia primitiva en estado puro

Os propongo un viaje en el tiempo. Luces calidoscópicas, embriagadores aromas, música envolvente y mucha, mucha confusión. Hablo de los años 60 y de su explosión creativa, una época cuya influencia ha marcado las bases de gran parte del panorama musical actual.

Y allí, en ese entramado temporal de ruptura con todo vivieron y crearon dos tipos de Nueva York, un dúo con ideas estrafalarias y una mente compleja y retorcida como pocas, que lograron crear uno de los grupos más extraños y desconcertantes de la historia. Son los Silver Apples, unos de los muchos padres de la psicodelia, que con tan sólo percusión, voz y un primitivo sintetizador lograron crear temas de una profundidad y belleza impresionantes, de ésos que, al oírlos, parecen materializarse en el aire (como toda buena psicodelia). Así introdujeron su concierto en San Francisco del 68:

 

“You are about to have probably the most unusual musical experience of your life. The music will enter areas of your mind never before opened until now. At times it may be hard to understand, but if you let the music penetrate you’ll dig it…”

Simeon y Danny Taylor fueron los dos fundadores de esta experiencia musical, el primero con un sintetizador hecho por él mismo (al que llamó en una orgía de narcisismo “The Simeon”), y el otro tocando la batería y poniendo la voz. El grupo original estuvo activo entre 1967 y 1969, aunque en la actualidad Simeon continúa con su sintetizador homónimo tocando de vez en cuando. Por lo que a Danny respecta, estuvo desaparecido durante muchos años, pero Simeon logró encontrarlo a finales de los noventa para volver a empezar. Pero nada fue lo mismo, ya que un grave accidente de coche dejó a Simeon apartado de la música hasta el 2004, y tan sólo un año después Danny murió. Aun así, Simeon demostró su pasión por Silver Apples, haciendo una exitosa gira en solitario, y demostrando que los grandes músicos nunca mueren.

Aquí dejo su tema más conocido (o menos olvidado) “Oscillations” del primer disco, con un vídeo desconcertante que, francamente, no se de donde sale.

Llega el tercer disco de estudio de We Are Scientists

“Brain Thrust Mastery” es el nuevo trabajo del dúo norteamericano (antes trio) “We Are Scientists”. “Alter Hours” era el nombre del single que lo precedía, y que ya despertó las ansias musicales de todos los seguidores de estos locos de Brooklyn. Pues bien, el disco se ha hecho esperar, pero ya está aquí desde el pasado lunes.

Éste es el primer álbum de la banda desde el abandono del batería Michael Tapper a finales del año pasado, que dejó a Keith Murray y Chris Cain solos al frente de W.A.S. Aún habrá que esperar un poco más para conocer la opinión de la crítica, pero las primeras voces hablan de frenazo respecto al último trabajo, “With Love and Squalor” i su disco de rarezas “Crap Attack”.

Aún así, habrá que dar la oportunidad a este grupazo que tan buenos temas nos ha dado.

(Canción, “After Hours” de Brain Thrust Mastery)

Suplemento del Avui: sorprendente

Como parte de nuestra evaluación continua en Periodismo Cultural, debo hacer un alto en el camino y analizar el suplemento cultural de algún diario. Así pues, sin ser yo ningún experto en la materia y, por tanto, juzgando desde una posición no privilegiada, he analizado y criticado el suplemento cultural del diario Avui.

Lo primero que me ha sorprendido es que, pese a tratarse del diario que es, no se ciña en exclusiva a elementos culturales catalanes. Digo no en exclusiva, aunque sí en su mayoría, lo cual es perfectamente comprensible dados sus lectores objetivos.

En todo caso, Avui, a diferencia de muchos otros suplementos culturales, logra, en mi opinión (reitero, humilde y nada experta), huir de ese exceso de pedantería que excluye, de manera sistemática, a la mayoría de lectores (o al menos a todos aquellos que no se dedican profesionalmente al arte y la cultura). Sus textos, usando un registro estándar casi culto, logran encontrar ese equilibrio entre banalidad y sofisticación que tanto cuesta de establecer para muchos.

He de reconocer que, estando yo abiertamente predispuesto a criticar un suplemento pedante y seudoerudito, me he encontrado con un texto que, lejos de escupirte en la cara, te acerca a la cultura de una manera llana y entendible, de tú a tú. Así pues, por más que me pese hacerlo, he de alagar este suplemento cultural. Bravo.

Klaxons: ‘Myths of the Near Future’

 

 

Locura, tonos agudos y estridencia en estado puro son las palabras que mejor definirían a los Klaxons, grupo inglés creado en 2005 que, en un intento por ser clasificado, se ha dicho que forma parte del movimiento New Rave. Etiquetas a parte, esta formación compuesta por tres “frikis” con ganas de hacer mucho ruido ha logrado cautivar en tiempo récord a gran parte del underground inglés y de medio mundo.

Primero llegó Gravity’s Rainbow, que, como tarjeta de presentación, llamó ya la atención de muchos por su estridencia y originalidad. Con Atlantis to Interzone se confirmó la sospecha: Klaxons son unos locos dispuestos a marcar un punto de inflexión en el panorama indie británico. En febrero del 2007 aparece ya su primer disco, “Myths of the Near Future”, toda una obra de arte, con temas tan buenos como originales. En este disco podemos disfrutar de temas locos y acelerados como Magick, con un videoclip tan surrealista como la propia canción (aquí os lo he dejado), pero también de temas más de relax, cercanos incluso al chill-out, como Forgotten Works o It’s Not Over Yet (echad un vistazo al videoclip, ultrafreak).

Personalmente, me parece un grupo adelantado a su tiempo, rabiosamente moderno y con un aire futurista que deja sin aliento, tanto por su música como por su aspecto, algo así como de punks del 2050. Por otra parte poseen cierto aire siniestro, parece la música perfecta para ambientar una secta. En fin, unos locos a los que merece la pena conocer, con una página web que podría ser considerada arte por sí sola, y que no podría encajar mejor con su música.

 

 

“Baila el Chiki-Chiki, o el triunfo de la democracia”

Este fin de semana ha significado un gran triunfo para la democracia. Y no lo digo por las elecciones, qué va, sino por un evento que, pese a parecer absurdo, posee una gran importancia: la elección de Rodolfo Chikilicuatre y su “Baila el Chiki-Chiki” para representar a España en Eurovisión.

Realmente, servidor no confiaba en los organizadores del certamen en absoluto, y estaba convencido de que preferirían falsear el resultado o incluso anular su presencia en el concurso antes de permitir a Chikilicuatre (o David Fernández, actor y humorista del programa de la Sexta “BFN”) reírse de organizadores, candidatos, seguidores de Eurovisión (autodenominados “eurofans”) y, en general, del más de medio siglo de historia del certamen. Pero así ha sido, Rodolfo Chikilicuatre ha recibido el apoyo de todos aquellos a los que nunca les ha importado Eurovisión, aquellos que están hartos de que se le de importancia a un festival completamente obsoleto y que envíen cada año a un hortera diferente para “representar a España”. Pues este año irá otro hortera, pero la diferencia es que este lo hace queriendo. Chikilicuatre, respaldado por miles de anti-eurofans (me he permitido inventarme el término), se ha reído de todos ellos, y lo ha hecho siguiendo su propio juego. ¿Acaso no es eso un triunfo de la democracia? Es sorprendente lo que sucede cuando se da voz al pueblo en algo que se presuponía una costumbre muy integrada en España, y el mensaje ha sido claro: Eurovisión no nos importa y por ello enviamos al más “friki” de todos.

Y no sólo ha ocurrido en España, este sistema ha propiciado el mismo fenómeno en otros países. ¿Será éste el principio del fin de Eurovisión? ¿O simplemente mutará en Frikivisión? Lo que sí está claro, es que este año Eurovisión tendrá la mayor audiencia de los últimos años, y con diferencia. ¿Habrá sido todo una hábil estratagema? Si así ha sido, ¡chapó!

Henry Darger y su locura creativa

Que el mejor arte nace de las más perturbadas mentes es algo que prácticamente podríamos asegurar. Artistas como Dalí o Van Gogh nos han demostrado que sólo cuando una mente creativa logra romper la barrera de la cordura es capaz de crear algo realmente nuevo y chocante.

Pues bien, aquí tenemos un caso paradigmático: Henry Darger, un hombre que dedicó toda su vida a una novela de más de 15.000 páginas y unas exuberantes pinturas que jamás mostró a nadie. Darger, enfermo mental desde la infancia e innegable sociópata, se pasó la vida en su habitación alquilada creando su particular historia. “The Story of the Vivian Girls, in what is Known as the Realms of the Unreal, of the Glandeco-Angelinian War Storm, Caused by the Child Slave Rebellion” es el enrevesado título de su extraña novela. En ella se inventó un mundo paralelo en que los adultos esclavizaban a los niños y siete pequeñas heroínas se dedicaban a salvarlos, en una cruenta guerra. Seres fantásticos, guerras místicas y épicos héroes son los ingredientes de esta historia, que a priori no parece divergir demasiado de las de Tolkien u otros autores fantásticos.

Pero la diferencia es clara: Henry Darger poseía una mente distinta. Muchos dirían enferma, y seguramente fuera así, pero si no fuese por ello seguramente su obra no sería tan especial. Porque es la obra de un loco, una obra que refleja una mente perturbada, la de un huérfano que creció en un psiquiátrico infantil, que seguramente sufrió algún tipo de abusos, y que jamás se integró en la sociedad. La mente de un hombre que vivió solo, que hablaba con el hombre del tiempo (conversaciones que plasmó en “The Weather Reports”) y que guardaba celosamente su obra en su habitación de alquiler. Eso es lo que lo hace especial, diferente. Fue un “freak” en vida y un mito a su muerte, como la mayor parte de grandes creadores.

Dran, arte urbano y de calidad

    Antes de empezar debo disculpar mi lapso temporal sin actualizaciones, con una excusa tan vaga como cierta: una gripe considerable, que acaba con la inspiración cultural de cualquiera.

    Una vez disculpado, procedo a presentaros al maestro Dran, un artista urbano francés del que hace poco me habló mi amigo fanático de los cómics Benja. Concretamente me trajo su libro de ilustraciones “Je t’aime” recién traído de la ciudad de las luces (aún olía a baguette caliente…). Pues bien, fui gratamente sorprendido por su calidad, tanto artística como reivindicativa y simbólica.“Je t’aime” es una reflexión sórdida y contundente sobre el amor, o lo que entendemos por amor, reflejada en unas ilustraciones en blanco y negro, sucias, con impresión de papel arrugado y, por qué negarlo, bastante deprimentes. El estilo de Dran, inconfundible, refleja la naturaleza ruin, cobarde, viciosa y débil de los humanos, de una manera tan simple como representativa. El maltrato, el amor no correspondido, la sumisión a la pareja o las relaciones peligrosas son algunos de los temas que se pueden ver perfectamente tratados en “Je t’aime”, eso sí, sin una sola letra.

    Como es evidente, la obra de Dran no acaba en sus libros de ilustraciones. Su arte pasa al ámbito urbano, como los graffitis. Podéis ver algunos de ellos (muy originales y sorprendentes todos ellos) aquí.

    Pero sin duda lo más llamativo de Dran son sus ilustraciones sobre cartones. ¿Hay algo más sórdido que un trozo de cartón marrón? Sí, un trozo de cartón marrón con una ilustración de Dran ironizando el texto de la caja, como podéis ver en las ilustraciones que he traído. Disfrutadlas.